新京报讯（记者刘臻）7月1日，在北京市文联艺术工坊，一场名为“坊间对话第48期：古韵新风：戏曲的传承与传播”的文艺评论系列学术对谈活动举行。这项活动由北京市文学艺术界联合会主办，北京文艺评论家协会与北京戏剧家协会联合承办。北京文艺评论家协会副主席、中国社会科学院文学研究所研究员陶庆梅主持了这场学术对谈。出席讨论的还有中国戏剧家协会副主席，中国艺术研究院戏曲研究所所长、研究员王馗，北方昆曲剧院原院长助理、原创研中心主任、一级编剧王若皓，以及北京戏剧家协会会员、青年京剧演员、京剧博主果菁。他们对谈的内容围绕戏曲剧种的当代演出形态与特色，以及戏曲如何进一步走进百姓生活等议题展开。
活动“坊间对话第48期：古韵新风：戏曲的传承与传播”在北京市文联艺术工坊举办。
移步不换形：戏曲剧种各有步伐
王馗在讨论中提到，中国辽阔的土地上有着丰富的艺术形式，这意味着同一艺术形式在面对不同社会群体时，可能产生不同的文化需求，因而呈现出多样的艺术状态。以昆曲为例，作为中国首个被列入人类非物质文化遗产代表作的艺术形式，它开启了中国非物质文化遗产保护的先河。昆曲作为非遗保护实践的范例说明，艺术形式要具备世代相传的谱系基础，能够不断被再创造并适应时代，同时还要能在社区、群体和个人之间实现历史延续和文化接受。王馗举例说，“一个社区可能比较保守，对传统的认同感更强；而另一个社区则可能更为开放，创新动力就可能更大。”
王若皓认为，尽管时代变迁，但剧种的精神内核保持不变。他引用梅兰芳先生的观点，认为剧种的样式可以“移步不换形”，即小幅度地调整步伐是允许的。每个剧种都有自己的特点，其演出方式基本上符合本剧种的美学标准。古老的剧种可能改变步伐较慢，而较年轻的剧种则可能改变得更快、更大。王若皓警告说，如果用未经时间充分考验的艺术手法去改造传统剧种，两者在气质上可能难以和谐。以婺剧《三打白骨精》为例，观众喜爱的更多是其表现形式上的创新，而剧种中蕴含的中华传统智慧本质并未改变。
陶庆梅指出，戏曲现代传承和发展与其“社区形态”密切相关，社区这里的“社区”指接受戏曲的群体。戏曲剧种与受众群体的生活紧密相连，从而产生不同的创新点。她认为，江浙沪地区的受众群体相对更为开放，因此出现了《我的大观园》《新龙门客栈》这样完全按照现代编剧方法创作的作品；而婺剧所在的地区对传统样态更为熟悉，其创新则是通过现代方式重新诠释传统。
果菁从京剧博主的传播实践中分享自己的经验，她坦言曾经制作了很多完整唱段的视频，但发现观众并不感兴趣。她观察到，现在的年轻观众似乎有一种“先祛魅再重构”的意识，他们最初可能认为戏曲是封闭的，但在深入了解后，又发现它是开放和融合的。
人的艺术：寻找两极间的平衡
王馗提出，表演艺术最能体现艺术的宗旨是“人的艺术”。传统和创新之间并不存在真正的矛盾，优秀的戏曲艺术家既继承传统，也在自我开拓。许多成功的现代戏曲作品，正是因为在结合时代因素的同时，还能展现戏曲之美，而恰恰是在传统与创新的两极之间找到了爆发点和平衡点。王馗强调，戏曲传承者需要更洒脱地面对传统，每一代人都有自己的艺术表达，下一代的进步需要在舞台等空间中不断磨练、提升和转变，进行再创造。
王若皓认为，中国戏曲剧本最伟大之处在于其不怕剧透。通过引子、定场诗、自报家门等形式，戏曲传统叙事的结构、流程和线索被简洁明了地表达出来，主角、故事走向和结局都直接呈现给观众。这种自信源于戏曲相信其表演本身就能吸引观众。王若皓告诫当前的戏曲创作人员，不应闭门造车，而应真正反映自己所生活的时代，找到生活中普遍关心的、能够打动人心的问题，只有这样创作出的作品才具有生命力。
